LA VIDA ES PURO TEATRO

LA VIDA ES PURO TEATRO

El teatro me gusta porque es un ejercicio artístico donde no hay trampa, el actor se encuentra delante del espectador con su voz y su gesto y con ellas debe hacernos creíble una historia.

Pero al mismo tiempo el teatro es puro artificio, todos los que allí estamos sabemos que todo es mentira, el actor no llora, no tiene miedo, no hay un castillo delante de nosotros, los actores no beben ginebra cuando lo dicen, no llueve ni se mojan (bueno algunas veces sí). Todo lo que pasa en el escenario en esas 2-3 horas en penumbra es pura ilusión, pero es precisamente por eso que es más difícil conseguir transmitir emociones, hacer reír o llorar, temblar o gritar de miedo.

Me gustaría animar a todos los que me leéis o me habéis leído alguna vez a que si no lo habéis probado lo hagáis. Disfruta con profesionales o aficionados, eso no es lo importante, lo verdadero es el texto y la emoción que encima del escenario se genera y se vierte sobre el espectador.

Cuando, como espectador, he salido del teatro después de una buena obra satisfecho y emocionado por lo allí vivido, el buen sabor de boca me permite reconciliarme con la vida. Durante esas horas vividas (no gastadas) el tiempo se para, solo hay un espectador y unos actores y una VERDAD el texto que va desgranándose minuto a minuto, frase a frase sin ser alterado por la REALIDAD de la vida.

Quizás sea que el teatro es la REALIDAD y  la vida un ARTIFICIO que nos ha raptado y no nos quiere soltar.

Mientras me quede un euro en el bolsillo buscaré una buena historia y unos buenos actores que me emocionen. 

Y para muestra un botón

http://www.diariodeavila.es/noticia/Z387108B2-C6B8-565F-2064B61C63BDF541/20120520//medea/version/tadzio/teatro/emociona/carga/dramatica

Un saludo y nos leemos.

LA CAZA (UNA PELÍCULA CLAUSTROFÓBICA)

Un Clásico ESPAÑOL

LA CAZA de Carlos Saura, 1965

La Caza es una película claustrofóbica, a pesar de estar rodada casi solo en exteriores.

                    

De izquierda a derecha: José (Ismael Merlo), Paco (Alfredo Mayo), Luis (José María Prada) y Enrique (Emilio Gutiérrez Caba).

En mi opinión, es una muy buena película, por el retrato sicológico tan cuidado de los personajes en el entorno de un escenario de caza, con montes pelados, y sol abrasador, por el suspense que se mastica desde el primer momento hasta el último y por el final que es casi insuperable.

Además, hay una descripción acertadísima de la España rural- el empleado ovejero, su sobrina, la abuela enferma en la cama contemplando a los hurones, los del pueblo degollando un animal que se contraponen con la España ye-ye, representada por Gutiérrez Caba con su radio y las canciones que ponen de los años 60 y también por la sobrina del ovejero cuando se pone a bailar con Enrique (G Caba).

Igualmente me parece innovadora la utilización de la voz en of para que el espectador se entere de los sentimientos y pensamientos de los 4 hombres.

En la caza, cuatro personajes (Paco, Luis, José y Enrique, éste, yerno del primero) bajo un sol abrasador entregados a la caza del conejo —título preliminar de la película que la censura recortó a su título definitivo— que acabará deviniendo en "la caza del hombre", la mejor caza, en palabras de Luis (José María Prada), el cazador hedonista, entregado a la bebida y a la literatura de ciencia-ficción como medio de supervivencia. La reunión de estos tres amigos de juventud (el cuarto, sin estar presente físicamente —suicidio de por medio—, lo está a un nivel psicológico, como una verdadera carga sobre unos personajes que no son ni meros reflejos de lo que fueron en el pasado), a los que se les une el joven Enrique (Emilio Gutiérrez Caba), por momentos, el testimonio del espectador dentro del film, mientas va retratando con su cámara fragmentos de la evolución del catártico día de caza, en realidad, una mera excusa de José (Ismael Merlo), el cazador mentiroso, canalla y más perturbado del grupo, para pedir un préstamo a Paco (Alfredo Mayo), el cazador soberbio, autoritario y despiadado, que tanto desprecia al tullido campesino que cuida las tierras de José, como a su propio amigo cuando se rebaja a pedirle dinero.

Hay en La caza mucho de Chabrol y Godard, en especial en el ritmo narrativo y los trucajes fílmicos empleados: movimientos bruscos de cámara, diálogos en primer plano como monólogos (extrayendo dobles y terribles significados a cada comentario), exteriorización del pensamiento de los personajes y sobre todo, un retrato de lo que existe entre los personajes, más que los personajes mismos.

Con unos reflejos claros a la guerra civil —el propio campo de caza, había sido antes campo de batalla—, la película triunfa no sólo en lo metafórico, también en lo realista. La evolución de los personajes hacia su particular sangrienta redención, está trazado en un crescendo fantástico. Entomológico en su descripción de preparación de la cacería, acaba deviniendo en un magnífico retrato de la miseria humana, usando la doble vía narrativa (la realista y la alegórica) para trazar la violenta relación entre los personajes, primero de una manera introspectiva, para posteriormente convertirse en un espectáculo de carne, sangre y fuego. Desde ya el principio se descubre una reticencia mutua entre los tres amigos, que acabará descubriéndose como un desprecio absoluto, en sus caras, ellos se ven a sí mismos, y el contraste entre el pasado y el presente es demasiado descarnado como para que pueda existir ningún tipo de futuro. La caza, así, es un catálogo de las diversas formas que adopta la miseria humana: envidia, rencor, celos, desprecio, soberbia, crueldad, gula, lascivia... pocos pecados se les escapan a los protagonistas.

El film de Saura es demoledor en su retrato del ser humano, por encima de cualquier tipo de localismo, condición social y/o etapa histórica. Cuando uno ve La caza está asistiendo a una crónica de la destrucción humana, no estando así lejos de Bergman o el propio Buñuel, un pesimismo existencial que hoy se puede ver reflejado en el cine de autores como Lars Von Trier o Michael Haneke.

Curiosamente, la cinta de Saura conserva –pese a lo que pueda haber cambiado la sociedad española en estos cuarenta años– una rara fuerza, un poder de atracción que va más allá de la lectura política que podía hacerse de ella en su momento.

El aparato formal de La caza como el empleo de la música, el montaje y la fotografía es  innovador y sorprendente. 

En este link se encuentra la película completa, por si la queréis ver.

http://youtu.be/Vb9n2EYbtg4

NOCHE DE PESADILLA (All Night Long, Basil Dearden, 1962)

Descubrí esta película una noche de fin de semana cuando volvía de tomar algo y el sueño no llegaba. Me pareció que tomando el ritmo de Jazz como coprotagonista conseguía enredarnos en una tela de araña argumental, desde mi punto de vista bien resuelta y con un final redondo.

REPARTO: Patrick McGoohan, Keith Michell, Betsy Blair, Paul Harris, Marti Stevens, Richard Attenborough, Bernard Braden, Harry Towb, María Velasco

GÉNERO:   Drama | Celos. Jazz

SINOPSIS:  Intérpretes y compositores de jazz se han reunido para celebrar el primer aniversario de la boda de Rex y Delia en el "almacén" propiedad del millonario y amante del jazz Rod Hamilton. La banda del batería Johnny Cousin (Patrick McGoohan) necesita que la cantante de jazz Delia Lane (Marti Stevens) forme parte del grupo para que los managers los puedan contratar. Pero resulta que ella ha abandonado su carrera al casarse con Rex, un gran pianista (Paul Harris). En la fiesta de aniversario de la pareja, Cousin intenta despertar los celos de Rex para acabar con su matrimonio y recuperar a la cantante para su grupo.

Se trata de una película británica con aires shakepearianos (celos/ Othello) a ritmo de Jazz. En la película hay un solvente reparto en el que se incluyen importantes músicos de jazz como Charlie Mingus o Dave Brubeck entre otros, que nos ofrecen a lo largo de la película una serie de improvisaciones maravillosas.

Se puede encontrar la marca del Otelo de William Shakespeare y todos los temas que rodean a esta obra: los celos, las sospechas infundadas, la envidia, la violencia de género, la raza, la confianza, la traición. De esta manera la venganza de un hombre enamorado desata un estremecedor drama en una casa donde compiten esa noche varias orquestas de Jazz, y todo en el breve espacio de unas horas y en el reducido escenario de una casa.

El film es claustrofóbico y desasosegador, a lo que contribuye sobremanera el ritmo de jazz que acompaña a la película como un actor más, de tal manera que por encima de todo destaca el protagonismo y la presencia de los números de jazz. 

Os lo recomiendo para una noche de sábado, mejor en compañía, con una copa y disfrutando del JAZZ.  

La Música irlandesa que quiero

Música irlandesa

Os adelanté que quería homenajear también a la música irlandesa. Me gusta toda la música de aquel país, porque es en Eire donde se dá de una forma más clara una división radical entre música moderna y músicas tradicionales. Pero quiero dejar claro que esta división lo es muchas veces más a nivel periodístico, que de aficionados a una y otra. Conozco gente de ese país y también aquí en España que admiran como yo por igual ambas. Incluso los músicos irlandeses hacen un “mestizaje” muy enriquecedor entre uno y otro tipo de música.

Esta tendencia puede observarse en la reciente labor de grupos e individuos como: 

U2

Uno de los grandes grupos de rock de la historia, me gustan más sus primeros álbumes, que los últimos destacando para mí War (1983), , The Unforgettable Fire (1984), The Joshua Tree (1987)

Van Morrison  

Cantante, compositor y músico norirlandés, con gran dominio de instrumentos como la armónica, la guitarra, el saxofón y el piano. Debido a su característica voz y al mestizaje de su música, que incluye  folk, blues, country y góspel, Morrison es considerado uno de los cantantes y músicos más influyentes de la música contemporánea. Aunque en algunas etapas de su carrera destaca el soul más arquetípico Into the music (1979), tiene también etapas musicales inspiradas en la tradición celta, en el jazz y en el monólogo interior, como ocurre en el álbum Astral Weeks (1968).

Hothouse Flowers

Los Hothouse Flowers es un grupo irlandés de rock que combina la tradicional irlandesa con influencias de soul , gospel y rock. Es un grupo menos conocido en España, pero me gustó mucho cuando los oí por vez primera.

Aquí hay un link a una canción suya para que podáis juzgar:

http://www.rockola.fm/artista/hothouse-flowers

Sínéad O’Connor

Cantante nacida en Dublín en 1966, tan famosa por su calidad como artista como por sus polémicas declaraciones y extravagancias en el escenario.

La fama le llegaría en 1989 ya que lanzó su mayor éxito “Nothing Compares 2 U”, la canción había sido escrita e interpretada por Prince, pero la versión de Sinéad O’Connor tiene un aire más nostálgico gracias al arreglo musical y su capacidad vocal, lo que la convirtió en un éxito en casi todo el mundo.

My Bloody Valentine

Una banda convertida en leyenda del rock independiente, siendo inspiración e influencia para bandas contemporáneas importantes.

Marcaron fuertes tendencias y toda una forma de hacer música que se fundamenta en guitarras distorsionadas y semi-ambientales, con efectos de reverberación, el uso del brazo de tremolo en las Fender Jaguar y Jazzmaster y voces femeninas frágiles y melódicas contrapuestas a ambientes extremadamente densos. Recogiendo influencias del dream pop y de bandas como The Jesus and Mary Chain. Os recomiendo su álbum  “Loveless” de 1991.

The Pogues

Personalmente los que más me gustan porque son unos gamberros. Banda de rock anglo-irlandesa, surgida a principios de los años 80.

Aparece en los años posteriores al surgimiento del movimiento Punk, y mezcla a partes iguales música punk y música tradicional irlandesa. El nombre originario del grupo era Pogue Mahone (Póg mo thóin en irlandés, que significa Bésame el culo). El año 1985 lanzarán “Rum, Sodomy, and the Lash” Producido por Elvis Costello, siendo uno de sus trabajos más redondos, con himnos como A pair of brown eyes, Sally MacLennane, Dirty old town, The old main drag o And the band played Waltzing Mathilda. Sus actuaciones en directo y videos son verdaderas fiestas.

Para que podáis disfrutarlos os paso este link

https://www.google.es/search?q=%22The%20Pogues%22&hl=es&sitesearch=&tbm=vid

The Cranberries

Banda irlandesa de rock, formada en Limerick en 1989 destaca la vocalista vocalista Dolores O'Riordan. Aunque muchas veces es asociada con rock alternativo, el sonido de la banda también incorpora elementos de indie, Rock, post-punk y pop rock. Saltó a la fama internacional en la década de 1990 con su álbum debut Everybody Else Is Doing It, So Why Can't We?, que se convirtió en un éxito comercial y vendió más de cinco millones de copias en Estados Unidos. El grupo fue uno de los grupos de rock más exitosos de los años 90

Álbumes de Estudio

        1993 Everybody Else Is Doing It, So Why Can't We?

        1994 No Need to Argue

        1996 To the Faithful Departed

        1999 Bury the Hatchet

        2001 Wake up and Smell the Coffee

        2012 Roses

The Corrs

Banda irlandesa formada por cuatro hermanos, que practican una combinación entre la música tradicional irlandesa, el pop contemporáneo y el rock. Durante su carrera han grabado éxitos como Runaway, Only When I Sleep, What Can I Do?, I Never Loved You Anyway, Dreams,Radio, Breathless, o Summer Sunshine.

Álbumes de estudio

1995: Forgiven, Not Forgotten

1997: Talk on Corners

2000: In Blue

2004: Borrowed Heaven

2005: Home

Otros grupos irlandeses se decantaron más por el lado tradicional, entre ellos podemos destacar:

Clannad

Grupo musical Irlandés de Gweedore (Gaoth Dobhair), en el Condado de Donegal (Dún na n'Gall). Su música ha sido catalogada como Folk (o Folk Rock), New Age y Celta. La formación la componen Máire Ní Bhraonáin (ahora conocida como Moya Brennan), sus hermanos Ciarán O'Braonáin, Pól O'Braonáin, y sus dos tíos  Noel  y Pádraig O'Dugáin. Eithne Ní Bhraonáin (Enya Brennan), la hermana de Máire, Pól, y Ciarán, fue miembro del grupo por dos años desde 1979-1982. La banda ganó el Grammy en 1999 al mejor Álbum de música New Age (Landmarks) y sus cifras de ventas superan los 15 millones. El nombre de Clannad surge de la frase gaélica "an Clann as Dobhar" que significa "la familia de Dore"; el grupo fue fundado por la familia Brennan en 1970.

§  The Official Clannad Website

Enya

Eithne Patricia Ní Bhraonáín1 más conocida simplemente como Enya, es una cantante irlandesa de música new age., Con su álbum Watermark, lanzado en 1988, alcanzó relevancia internacional, y Enya empezó a resultar conocida por su sonido único, caracterizado por el empleo de múltiples «capas de voz», sintetizadas a partir de la propia, melodías folk, fondos de sintetizador y reverberaciones etéreas. A diferencia de la mayoría de los cantantes actuales, Enya compone y produce sus propias obras, y lleva haciendo este trabajo desde 1987 y aún continúa sacando colecciones al mercado. También a diferencia de muchos artistas musicales, Enya no hace conciertos;

http://www.enya.com/

http://discography.enya.com/

Lúnasa

Grupo irlandés de música tradicional, internacionalmente aclamado. Son reconocidos por sus emocionantes melodías y tonadas, así como por su habilidad para combinar los sonidos del violín, la flauta, la gaita irlandesa, la guitarra y el bajo. Sus canciones huelen a Eire.

1997: Lúnasa

1999 : Otherworld

2001 : The Merry Sisters Of Fate

2002 : Redwood

2004 : The Kinnitty Sessions

2006 : Sé

2007 : The Story so Far....

2010 : Lá Nua

Loreena McKennitt

Intérprete de música celta. Canadiense con ascendientes escoceses e irlandeses. Sus discos “Elemental” y “To Drive the cold winter away” marcaron un antes y un después en su carrera musical, músico con muchas colaboraciones que dan a sus discos matices diferentes y esquisitos.

Discos de estudio:

1985 : Elemental

1987 : To Drive the Cold Winter Away

1989 : Parallel Dreams

1991 : ''The Visit''

1994 : The Mask and the Mirror

1997 : The Book of Secrets

2006 : An Ancient Muse

2008 : A Midwinter Night's Dream

2010 : The Wind That Shakes the Barley

The Chieftains 

Banda irlandesa de música tradicional, fundada en 1963, año de la grabación de su primer LP titulado simplemente The Chieftains. Sus componentes iniciales fue Paddy Moloney (gaita irlandesa), Martin Fay (violín y huesos, instrumento de percusión tradicional), Seán Potts (whistle) y David Fallon (bodhrán). El grupo también ha realizado proyectos para revitalizar el folclore Irlandés aunque últimamente han intentado llevar su música hacia una fusión con la música de otros artistas como son The Corrs, Mark Knopfler, Mick Jagger, Sting, Carlos Núñez, Sinéad O'Connor, Kepa Junkera o Ry Cooder.

Ellos me descubrieron la música irlandesa.

Os recomiendo

Santiago (1996) 

este es el link de una canción con Carlos Núñez, todo un personaje que merecerá un comentario.

http://www.youtube.com/watch?v=uJ1ynTMUj0c

Estos son los grupos que me han descubierto los sonidos de esa tierra.

PELÍCULAS en INTERIORES

PELÍCULAS EN INTERIORES

La otra noche antes de acostarme y pensando en que podía compartir con vosotros en el blog me vino a la cabeza las buenas películas que se han rodado en interiores de casas y el efecto que se consigue con eso. Entre las que he recordado que más me gustan estarían: La soga, La huella y El guateque. Por si hay alguna que no conocéis os las paso a comentar brevemente:

LA SOGA (Rope, Alfred Hitchcock, 1948)

“La soga” constituye no sólo la primera película en color de Alfred Hitchcock, sino que también es su primera obra rodada en un,  aparente, único plano-secuencia. También supone el bautismo de Hitchcock como productor.

Está  basada en una obra teatral del mismo título, escrita por Patrick Hamilton.

Para que hubiera más realismo el director quiso rodar en tiempo real y por eso rodó varios planos secuencia cada uno de ellos con una duración de un rollo de película. Para disimular los cambios de rollo al finalizarlo hacía pasar a un actor por delante de la cámara y así podía conectar con el siguiente, si ves la película otra vez cuenta el número de fundidos en negro y sabrás los rollos utilizados, como ves es otra manera de ver esta magnífica película.

Pero no solo técnicamente es un portento, el clima desasosegador creado por el director debido al guión y el pequeño espacio en el que se desarrolla todo es otro prodigio. Las interpretaciones son excelentes, se insinúa una relación homosexual entre los dos asesinos y una relación muy morbosa entre uno de ellos y el profesor de ambos.

El espectador se agobia con los protagonistas porque sabe que ha pasado y donde se esconde el cadáver (este es el famoso mcguffin del director).

LA HUELLA (Sleuth, Joseph L. Mankiewitz, 1972)

“La Huella” fue la última película que dirigió Joseph L. Mankiewitz en 1972. Esta fue una adaptación cinematográfica de la exitosa obra de teatro de nombre homónimo. El creador de la obra de teatro Anthony Saffer, fue el encargado del guión para su adaptación. El largometraje obtuvo 4 nominaciones a Los Oscar.

La película cuenta con escasos escenarios lo que hace que la atención se centre en los diálogos e interpretaciones. En cuanto al reparto se contó con la participación de dos grandes actores como son Laurence Oliver y Michael Caine. El primero interpreta a Andrew Wyke, mientras que el segundo se pone en la piel de Milo Tindle.

La obra de teatro original se divide en tres actos claramente diferenciados que se ven reflejados en la película. La película comienza con la invitación de Andrew a Milo a su gran mansión. Andrew Wyke es un rico y famoso escritor de novelas policíacas al que le gusta coleccionar juegos y autómatas extravagantes, pertenece a una clase social alta y está orgulloso de serlo. Debido a esto, desprecia a Milo por sus orígenes italianos y humildes. Milo es un joven y atractivo peluquero que por medio de su trabajo y su “encanto personal”, ha conseguido tener un salón de belleza en uno de los barrios más exclusivos de Londres. Así, el desprecio de Andrew hacia Milo está latente desde el principio en la manera de tratarle y de jugar con él para que se acabe delatando. En pocos instantes descubrimos que la intención de Milo es la de casarse con Marguerite, la mujer de Andrew, y sabemos que la verdadera razón por la cual Wyke se siente molesto es el hecho de su esposa le abandone por un hombre como Milo, alguien muy por debajo de él y no por el propio hecho del abandono. Este aparente desencadenante del juego, pasará a segundo plano a medida que transcurra la película. 

En ese momento empieza el juego que desde el punto de vista psicológico y teatral alcanza grandes cotas. 

El director nos propone un abanico de propuestas con cuestiones que van desde las puramente estilísticas y formales a las sociológicas y generacionales; todas ellas al servicio de un nuevo y definitivo ejercicio de  disección, con mirada cínica, del ser humano y sus dudosas motivaciones(el engaño y el mundo de las apariencias, la ambición, el arribismo, la lucha intergeneracional y la lucha de clases).

La película nos envuelve con una ingeniosa trama magníficamente representada, en la que el juego y el engaño no nos abandonan hasta el final. Jugando al gato y el ratón no solo ambos protagonistas, sino en otro nivel el director y el espectador.

EL GUATEQUE (The Party, Blake Edwards, 1968)

  

Peter Sellers siempre personificará al inspector Clouseau. Pero también hay un hueco en mi memoria por su interpretación de Hrundi V. Bakshi, un gafado actor de reparto hindú, un patoso incalificable, donde recrea a un hombre que, pese a sentirse como un burro en un garaje, desempeñó inimaginables esfuerzos para integrarse a una situación y a un entorno.

“El guateque” no pretende, en ningún momento, convertirse en paradigma de la comedia inteligente, con diálogos mordaces, espíritu de denuncia y blablablá. Nada de eso. La acertada batuta de Edwards encauza una sucesión de gags que van encadenándose con elegancia y fluidez, sin mayor aspiración que hacernos reír a mandíbula batiente. Y “El guateque” alcanza su propósito.

Os la recomiendo para una tarde de Domingo y verla con tus hijos, reír en familia es muy sano.

Un saludo y los leemos

Segunda entrega: Un Clásico-Un Moderno-Una Española

Segunda entrega 
Un Clásico-Un Moderno-Una Española

Un Clásico: "El Tesoro de Sierra Madre" de John Huston (1948) 

Película estadounidense de 1948, escrita y dirigida por John Huston. Protagonizada por Humphrey Bogart, Walter Huston, Robert Blake, Tim Holt, Bruce Bennett y Barton MacLane. Basada en una novela homónima de Bruno Traven. Ganadora de 3 Premios Óscar y 3 Globos de Oro. 

En la década de 1920, Fred Dobbs (Humphrey Bogart) es un estadounidense que malvive en Tampico. Es engañado por un capataz sin escrúpulos junto a otros incautos. Conoce entonces a Bob Curtin (Tim Holt) y a Howard (Walter Huston), un anciano buscador de oro, con los que sale en expedición a buscar el preciado metal. Lo encuentran, pero Dobbs enloquece por la codicia y quiere quedarse con todo. 

Lo que sigue es una reflexión sobre hasta dónde puede llegar la condición humana. 

El trabajo expresivo de Bogart y Walter Huston es admirable, así como el guión que funciona como un reloj. 

Un Moderno: "LOS DUELISTAS" de Ridley Scott (1977) 

La verdad es que Los Duelistas, la ópera prima como director de largometrajes de Ridley Scott, no tiene nada que envidiar a sus dos logros más grandes y reputados, Alien y Blade Runner. Curiosamente, el director empezó en eso del cine completamente alejado del género fantástico. Basándose en un relato corto de Joseph Conrad (el autor de El Corazón de las Tinieblas), Scott nos trasladó a la Europa de principios del siglo XIX y, amparándose un tanto en el estilo visual ya utilizado por Kubrick en su película Barry Lyndon, nos enfrentó a una historia llena de rencores y de personajes obsesivos.

Los Duelistas narra un eterno duelo, tan surrealista como esas guerras que sus protagonistas, oficiales del ejército de Napoleón, estaban viviendo en esos tiempos. Corre el año 1800 y un soldado pendenciero y aferrado al sentido ridículo del honor militar, Ferraud, se siente ofendido por otro húsar, Armand D'Hubert, retándolo a un duelo a muerte con espada. En realidad, la ofensa no es tal, ya que se trata de una mera nimiedad, un puro trámite castrense que el retado estaba llevando a cabo debido a una orden directa de sus superiores. Una absurdidad que, sin embargo, llevará a estos dos personajes a enfrentarse, cara a cara, a lo largo de más de veinte años.

Para dar vida a éste par de caracteres en lucha perenne, Scott escogió a dos actores como Harvey Keitel, quien, a través de una controlada interpretación se pone en la piel del obstinado y obsesivo Ferraud, un hombre intransigente, de gesticulaciones casi infantiles, empecinado en batirse en duelo continuamente con su eterno rival, y un sobrio Keith Carradine, alias D'Hubert, el oficial acosado y acorralado, pesaroso y sorprendido por la asfixiante situación.

Lo que para uno (Ferraud) es una compulsiva obnubilación, para el otro (D'Hubert), significa un temor pavosoroso que, al final, y con el paso de los años, se convertirá en la misma obsesión sintomática que la de su belicoso adversario. Una obsesión a dos bandas que, tanto el uno como el otro, ansían resolver de una vez por todas. EL director les rompe la vida por culpa de esa ciega obstinación y, a pesar de todo, consigue que tengan que recurrir a ella para seguir en pie. Nadie a su alrededor entiende su recelo. Y el honor, esa palabra estúpida, a través de los actos de esos dos hombres desesperados, se convierte en la bandera más ridícula jamás hondeada. Ridícula pero necesaria para los dos.

La rabia como medio indispensable de vida. Y lo hace con garra, demostrando un dominio total con la cámara a la hora de filmar las luchas de ese par de tipos tozudos, amparándose en maravillosas elipsis narrativas que, como la cosa más normal del mundo, nos hacen saltar de año en año sin perder su hilo argumental. Y detrás de todo ello, presidiendo todos los actos, el suspense. No hay que olvidar ese suspense frío y gélido que vierte en el último duelo, haciendo esperar al espectador un tiempo prudencial, pero agobiante, para conocer la resolución real del mismo.

Hay momentos que, a través de la oscura y pálida tonalidad impregnada a su imagen, y recreándose en luces naturales y sombras abrasivas, consigue verdaderas reproducciones animadas de viejos cuadros paisajísticos de la escuela flamenca. Y allí en medio, bien enmarcados para la posteridad, Feraud y D'Hubert dispuestos a saldar una extravagancia con demasiada solera.

El final no desmerece.

Una Española:

Es una película sobre atracos. El director es José María Forqué y el resultado es una de las mejores comedías del cine español. Su guión desmonta el género de atracos, empezando porque son los propios empleados del banco los atracadores. Ellos son personas normales y corrientes, sin malicia diría, simpáticos que solo aceptaran llevar a cabo el atraco cuando saben que la cantidad de dinero que roben será devuelta por la aseguradora del banco a sus clientes y como venganza por el despido/jubilación del director veterano al que aprecian. Es entonces cuando uno de los empleados, Fernando Galindo (colosal José Luis López Vazquez), revela a los demás su plan para atracar el banco.

El mensaje de la película no ha envejecido ni un ápice. Vivimos momentos difíciles. La crisis nos afecta a los de siempre, mientras que los privilegiados siguen viviendo la vida. Esta película es una crítica indirecta, cínica y camuflada a todo eso y todo esto sin perder nunca el sentido del humor.

La película cuenta con un genial reparto, encabezado por José Luis López Vazquez, y seguido de otros genios de la comedia como Gracita Morales, Alfredo Landa, Cassen, o Manuel Alexandre.

La conclusión de la cinta, sencillamente genial y simpática, reiréis sin parar, que falta nos hace, muy recomendable si no conocéis los clásicos españoles.

Este link es de una escena de la película:

http://www.youtube.com/watch?v=n4YTupWvc5k&feature=youtu.be

Espero que os guste el comentario sobre estas tres películas y podais ver aquellas que no conozcáis.

Un saludo y nos leemos